Le Gaulois, Anatole GUILLOT (1865-1911)
1901
Plâtre, 430 × 120 × 85 cm
Réalisé en 1901 par le sculpteur icaunais Anatole Guillot, Le Gaulois est le modèle d’exécution grandeur d’échelle de la statue monumentale de cuivre qui domine depuis 1904 la façade de l’Hôtel de Ville de Sens, communément désignée sous le nom de Brennus. Ce « héraut d’armes » gaulois affiche une silhouette volontairement héroïsée : cuirasse inspirée du Vercingétorix de Bartholdi, casque à crête aux ailes saillantes, braies serrées et attributs guerriers. D’une main, il brandit une hache bipenne ; dans l’autre, il tient une haute enseigne surmontée d’un coq, symbole de la France adopté tardivement mais ici chargé d’une forte portée patriotique.
Ce grand modèle en plâtre donné par l’artiste en 1904, témoigne des étapes de création d’une œuvre publique, entre atelier et chantier.
Mosaïque des cerfs
Fin du Ve siècle – début du VIe siècle
Marbre, calcaire
Provenant de Sens, rue des Déportés et de la Résistance
Découverte à Sens, cette mosaïque met en scène des cerfs, motif fréquent dans les décors domestiques et les espaces de représentation. L’association de marbre et de calcaire, ainsi que le dessin rythmé des formes, témoignent d’un savoir-faire dans la continuité des traditions romaines. Animal de nature et de mouvement, le cerf peut aussi porter une dimension symbolique : évocation de la vitalité, de la quête ou du renouveau, il guide ici le regard et structure la lecture décorative de la composition.
Le Christ au jardin des Oliviers, Guido RENI
XVIIe siècle
Huile sur cuivre
Peintre majeur du baroque italien, Guido Reni propose une vision intériorisée et lumineuse de l’épisode du jardin des Oliviers, moment de solitude et de prière avant l’arrestation. L’huile sur cuivre — support précieux, lisse et dense — permet une exécution d’une grande finesse : contours nets, transparences, éclats de lumière. Reni recherche moins l’effet spectaculaire que l’équilibre et la clarté, au service d’une émotion contenue. La scène invite le visiteur à entrer dans une méditation silencieuse, où la lumière devient le signe discret du divin.
La Tapisserie des trois couronnements
XVe siècle, 2e moitié
Fil d’or et d’argent, laine, soie
Trésor de la cathédrale
Rare par la richesse de ses matériaux — fils d’or et d’argent mêlés à la laine et à la soie — cette tapisserie relève du prestige liturgique et cérémoniel. Son programme figuré, organisé autour de “trois couronnements”, celui de la Vierge, celui de Bethsabée et celui d’Esther, déroule un récit solennel où l’autorité, la légitimité et le sacré se répondent. Objet de splendeur, elle associe éclat des métaux, densité des étoffes et ampleur de la scène. Conservée dans le Trésor de la cathédrale, elle témoigne du rôle de l’image textile au Moyen Âge : montrer, enseigner, impressionner — et magnifier le culte.
La Sainte Châsse
XIIe siècle
Ivoire et émaux champlevés sur cuivre doré
Trésor de la cathédrale
Chef-d’œuvre du Trésor, la Sainte Châsse est un objet de prestige autant qu’un reliquaire : un coffret précieux conçu pour protéger ce qu’il contient. De forme dodécagonale, surmonté d’un couvercle pyramidal, il est constitué de 24 plaques en ivoire d’éléphant fixées sur une âme de bois. Son décor sculpté illustre deux histoires de l’Ancien Testament : celle du roi David et celle de Joseph, fils de Jacob. La taille importante du coffret (35 cm x 32,5 cm de diamètre), tout comme sa forme inhabituelle, son iconographie originale et son état de conservation en font un objet unique en son genre.
Vitrail avec tête de mort
XVIe siècle
Verre, grisaille, jaune d’argent, plomb
Détail saisissant, la tête de mort inscrit ce panneau dans la culture visuelle de la Renaissance, marquée par les thèmes de la Vanité et du memento mori : “souviens-toi que tu mourras”. Réalisé en grisaille et rehaussé au jaune d’argent, le vitrail joue sur la subtilité des tonalités, la précision du trait et les effets de transparence. Entre méditation spirituelle et avertissement moral, l’image rappelle la fragilité de la vie humaine — et la force de l’art du vitrail, capable de faire naître une présence intense avec la lumière seule.
Stèle des époux âgés
IIIe siècle
Pierre calcaire
Monument emblématique du lapidaire gallo-romain de Sens, cette stèle funéraire représente un couple âgé, debout, vêtu à la romaine. Par sa taille et la solennité de la pose, elle affirme le rang social des défunts et la volonté de laisser une trace durable dans la mémoire des vivants. Entre portrait, symbole et rituel, la stèle dit autant l’attachement familial que l’intégration aux codes de la cité romaine : se faire représenter, c’est revendiquer une identité, une dignité, une place dans la communauté.
Bicorne porté par Napoléon à Waterloo
Legs du général Charles Duchesne, 1920
Feutre, cocarde blanc-bleu-rouge
Objet d’histoire devenu relique politique, ce bicorne est associé à l’un des épisodes les plus célèbres de la légende napoléonienne : Waterloo. Sa force tient à sa proximité supposée avec l’événement et la figure de l’Empereur, au point de transformer un accessoire de tenue en symbole national. Conservé aux Musées de Sens grâce au legs du général Charles Duchesne en 1920, il incarne la persistance de la mémoire impériale, entre fascination, récit collectif et matérialité : la petite histoire des objets rejoint ici la grande Histoire.
Auguste RODIN — L’Âge d’Airain
Bronze — Donation Marrey
Fonte de 1941
Figure grandeur nature, L’Âge d’Airain marque un tournant majeur dans l’histoire de la sculpture moderne. Rodin y affirme une présence du corps sans emphase héroïque : un homme nu, debout, saisi dans une tension intérieure, entre éveil et fragilité. La surface du bronze capte les vibrations de la lumière et révèle un travail subtil sur la chair, le souffle, le poids du geste. Cette fonte de 1941, entrée dans les collections par la donation Marrey, donne à voir une œuvre fondatrice, où le réalisme devient émotion.
Albert MARQUET — Le port d’Audierne
Huile sur toile — Donation Marrey
1928
Avec Le port d’Audierne, Albert Marquet livre une vision à la fois simple et magistrale du paysage maritime. Tout semble calme : une étendue d’eau, des silhouettes de bateaux, un horizon posé. Mais l’équilibre des masses, la sobriété de la touche et la justesse des tonalités construisent une atmosphère profonde, presque silencieuse. Peintre de la lumière et des ports, Marquet ne cherche pas l’effet : il capte l’essentiel, le rythme lent d’un lieu, la respiration de l’espace. Cette toile de 1928, issue de la donation Marrey, inscrit la modernité picturale dans le parcours des collections.